Cine japonés

Cine Japonés

Dedico este artículo a uno de los cines más importantes en la historia del séptimo arte y al que en mi opinión no se le dedican los suficientes espacios para emitir sus películas y dar a conocer los trabajos que han realizado y siguen realizando  sus directores.

Aún siendo difícil hacer una selección de obras que se han rodado desde el nacimiento del cine en Japón, me he arriesgado a elegir una lista de directores y películas que considero más representativas dentro de sus filmografías. No voy a comentar ninguna de ellas ya que todas son importantes y por tanto habría que dedicar un libro entero a este espacio, como los numerosos que existen en el mercado editorial, sino simplemente anotarlas por si a alguien le interesan y no las ha visto pueda buscarlas y visionarlas.

·         Akira Kurosawa:

1.      Los siete samurais

2.      Ran

3.      Yojimbo

4.      Rashomon

·         Yasujiro Ozu:

1.      Cuentos de Tokio

2.      Buenos días

3.      El sabor del sake

·         Seijun Suzuki:

1.      Historia de una prostituta

2.      Una historia de dolor y tristeza

·         Shohei Imamura:

1.      La balada del Narayama

2.      La anguila

3.      Doctor Akagi

·         Nagisa Oshima:

1.      El imperio de los sentidos

·         Takeshi Gitano:

1.      El verano de Kikujiro

2.      Zatoichi

·         Hayao Miyazaki:

1.      El viaje de Chiriro

Casablanca

“Casablanca” 1942- Michael Curtiz-

Si hubiera que salvar una película en toda la historia del cine, posiblemente, esta cinta sería la elegida entre el resto. A su nivel estarían otras producciones rodadas desde los inicios del séptimo arte hasta nuestros días, pero la mezcla de cine negro con una fotografía expresionista, un guión perfecto, una producción meticulosa y una interpretación a cargo de dos de los actores más grandes que han existido (Ingrid Bergman y Humphrey Bogart), hacen de esta película la candidata número uno a la salvación propuesta en la primera línea.

Ambientada en la ciudad marroquí de Casablanca, pero rodada íntegramente en estudios cinematográficos, narra una historia de amor bajo la ocupación alemana y el gobierno de Vichy instalado en Marruecos. Conforme avanza la película nos encontramos en medio del Café Rick, regentado por Humphrey Bogart, con un elenco de actores secundarios entre los que destacan Dooley Wilson en el papel de Sam, un pianista negro que interpreta una de las melodías más famosas en la historia del cine: “As time goes by”; y Claude Rains interpretando al capitán francés Renault.

 La acción  se desarrolla manteniendo una intensidad media durante gran parte de la película para ir subiendo vertiginosamente hacia uno de los finales más emblemáticos de la historia del cine, final que se rueda en un aeropuerto de Estados Unidos, siendo la única localización externa a los estudios cinematográficos, y para el que se construye un avión de cartón a escala y se contrata a extras de baja estatura para mantener las proporciones sobre el fondo.

La dirección está a cargo de Michael Curtiz, cineasta de origen húngaro, que se traslada a Alemania después de la Primera Guerra Mundial para recalar en Hollywood  posteriormente, donde rodará cintas de aventuras como: “El capitán Blood” y “Robin de los bosques”, algún western como “Camino de Santa Fe”, y la adaptación de la novela de Mark Twain “Las aventuras de Huckleberry Finn” entre otras producciones.

La música está elaborada por el gran músico austriaco  Max Steiner, que tiene en su haber películas como “Lo que el viento se llevó” y “Centauros del desierto”; y la fotografía es obra de Arthur Edeson, que como curiosidad habría que destacar la filmación de la mayoría de los planos de Ingrid Bergman por el lado izquierdo, su perfil bueno, aplicando un filtro suavizador para lograr el máximo esplendor de uno de los rostros más bellos que han aparecido en la pantalla gigante.

Esta película fue galardonada con tres Oscars de la Academia en las categorías de mejor película, mejor director y mejor guión adaptado. En definitiva, una gran obra de arte reconocida por Hollywood y admirada por millones de amantes del séptimo arte en todo el mundo.

Jose.-

Dos nuevas listas

LAS DIEZ MEJORES ACTRICES DE LA HISTORIA DEL CINE

1. Audrey Hepburn
2. Katherine Kepburn
3. Barbara Stanwyck
4. Lauren Bacall
5. Ingrid Bergman
6. Bette Davis
7. Elizabeth Taylor
8. Greta Garbo
9. Shirley Maclaine
10. Ava Gadner

LOS DIEZ MEJORES ACTORES DE LA HISTORIA DEL CINE

1. Cary Grant
2. Marlon Brando
3. Gary Cooper
4. Rock Hudson
5. Humphrey Bogart
6. Paul Newman
7. Robert Redford
8. Jack Lemmon
9. Henry Fonda
10. Robert Mitchum

Fawlty Towers Serie BBC

Fawlty Towers

Aquellos que  no hayan visto esta serie de comedia británica de los años 70 pueden hacerlo y disfrutar de los doce episodios que se desarrollan en un hotel de Inglaterra, que en su momento rodó John Cleese, uno de los miembros de los Monty Python, en compañía de otros actores ingleses y donde uno de ellos representa a un camarero español llamado Manuel cuya palabra clave es “¿Qué?” cuando escucha algo en inglés y no lo entiende; palabra que por cierto se usaba en plan cómico por parte del público británico que seguía la serie cuando no entendían algo en sus diálogos cotidianos.

Esta comedia fue fruto de los viajes que hacían los miembros de los Monty Python por Inglaterra para rodar su serie y después de alojarse en los hoteles, John Cleese veía que había camareros extranjeros que apenas hablaban inglés y creaban situaciones cómicas mientras trabajaban, por lo que decidió plasmarlo en la pantalla por medio de la producción de la BBC y con un camarero llegado de Barcelona (España) que atraviesa situaciones muy divertidas, siempre con el toque de humor inglés.

Incluyo un enlace de la web de la BBC donde se puede obtener una información muy completa sobre la serie, y para aquellos que quieran conseguirla en Dvd original que sepan que  pueden tenerla en un paquete que viene con tres discos y a veces se encuentra en oferta por menos de 20 euros.

http://www.bbc.co.uk/comedy/fawltytowers/index.shtml

Jose

Actor´s Studio

Enlace a una de las escuelas de interpretación más valoradas del mundo y con una trayectoria de más de medio siglo enseñando a sus alumnos conforme al método Stanilavski: 
http://theactorsstudio.org/

Michael Haneke vs David Lynch

A ambos lados del Atlántico nos encontramos con dos entradas para los 35mm que conectan los universos cinematográficos de dos cineastas, uno estadounidense y otro alemán, surgiendo a partir de cada una de sus producciones un afianzamiento en su característica manera de expresarse a través del celuloide. En ambos casos, sería necesario, únicamente, visionar unas pocas secuencias de alguna de sus películas para identificar al instante la autoría de la obra, aunque en cualquiera de las dos encontraremos un juego con las imágenes, que nos llevará del subconsciente de los personajes a la realidad que se intenta proyectar, siendo en la mayoria de las ocasiones la libre interpretación del hilo argumental de la cinta que estemos dispuestos a hacer como espectadores.

Considerando a ambos directores dentro del cine de autor, si como tal entendemos a quien deja el sello personal en cada uno de sus largometrajes y proyectos, estaríamos ante dos artistas del séptimo arte, que si bien entre ellos no se han influenciado en sus respectivos trabajos, sí han conseguido que los espectadores profundicemos y nos enriquezcamos de sus universos personales cinematográficos.

Jose.-

"La camioneta" Stephen Frears

La Caminoneta- Stephen Frears-1996

Mientras en el cine de Ken Loach encontramos una temática social con problemas de grupo aderezado con una constante lucha de clases, en el de Stephen Frears son las personas individualmente quienes afrontan una delicada situación y se apoyan en conceptos como la fidelidad y la amistad para salir adelante. Mientras en el universo de Loach el pesimismo inunda las historias de desarraigo social, en el de Frears el optimismo y la creencia en la buena voluntad del individuo hace a éstos superar los obstáculos planteados en la cinta, llegando a despreciar todo lo que está atacando a los lazos que unen a las personas, representados en este caso en los dos personajes principales. Mientras Ken Loach no entiende de patrias en sus películas y aborda casos como los de los inmigrantes latinos en Los Ángeles (“Pan y Rosas”) o el paro en Inglaterra (“Mi nombre es Joe” entre otras), Stephen Frears sitúa al espectador ante multitud de banderas irlandesas en medio del mundial de fútbol de 1990.

Ambos directores ingleses representan a la generación de cineastas británicos consagrados en el último tercio del siglo XX que a través de sus películas han transmitido, cada uno a su manera y en su propio estilo,  unas historias capaces de hacer reflexionar al espectador desde su butaca del cine sobre temas de actualidad, en algunos casos hablando de las mafias de personas en la Europa desarrollada (“Negocios ocultos” de Frears) o de las cloacas político-sociales en el conflicto de Irlanda del Norte (“Agenda Oculta” de Loach).

En esta película de Frears la camioneta que rehabilitan para trabajar los dos amigos que se acaban de quedar en paro sirve de vehículo de transmisión en una historia de amistad y fidelidad que les llevará a dar una puntuación a los valores arraigados en sus personas, anteponiéndolos a un medio superfluo de ganarse la vida circunstancialmente y condicionado por un sistema social que les ha llegado impuesto.

Hay que finalizar haciendo mención a “Cheri”, la última cinta del director británico, que adapta la novela de la escritora francesa Colette ambientada en la Belle Epoque, que a pesar del reparto y el contenido de la obra lo único que merece la pena es la fotografía del genial Darius Khondji y la interpretación de Michelle Pfeiffer que no salva en su conjunto la película de Frears.