Chaplin-Cortos del año 1914- Keystone
Company
Hace unos días hemos podido
disfrutar de los cortometrajes realizados por Charles Chaplin para la Keystone
durante el año 1914. Durante el pasado fin de semana la Filmoteca Española
realizó la proyección de tres programas que representaba todo un trabajo de restauración de las
películas de Chaplin, llevado a cabo por la Cinemateca de Bolonia, el British
Institute Film y World Cinema Foundation.
Estas mismas cintas se han
agrupado en un DVD que está a la venta para los amantes de este genio del séptimo
arte, que si bien a lo largo de su carrera logró crear un universo propio
dentro del cine, son estas películas las
que sirvieron para el lanzamiento de su
personaje bajo la tutela del dueño de la Keystone (Mack Sennet). Es por medio
del tipo de comedias llamadas “slaptick”
que incluían gags visuales, persecuciones absurdas, lanzamientos de objetos
como tartas y otras acrobacias basadas
en la comedia británica de los 80 del siglo XIX como surgen los inicios del
cine cómico, al que ya dediqué un apartado con otros referentes como
protagonistas.
Incluyo un enlace a World Cinema
Foundation por ser una asociación sin ánimo de lucro y presidida por Martin
Scorsese, y haber formado parte de la
restauración de estas películas que han sido recuperadas para el disfrute de
los amantes del cine en todo el mundo. Gracias por ello.
Jose.-
Abbas Kiarostami
Quiero
dedicar una pequeña referencia a un gran director independiente surgido durante
la New Wave iraní en los años 60 y que a día de hoy acumula en su filmografía
más de veinte películas. Realizador de un cine de autor, al igual que directores
tan diferentes y similares a su vez como David Lynch y Kusturica, profundiza en
el interior del ser humano por medio de los personajes de sus cintas y lleva al
espectador a una reflexión sobre aspectos intrínsecos en la persona.
En
el cine de Eric Rohmer vemos una agudeza intelectual y una empatía entre los
personajes y su entorno, por lo que no debemos extrañarnos que Kiarostami haya
sido comparado con el gran maestro francés a lo largo de su carrera, ya que al
visionar sus películas nos hacemos eco de esa obligada comparación y concluimos
en un cine filosófico de calidad.
Alcanza
el reconocimiento internacional con la película premiada en el festival de
Cannes del año 1997 “El sabor de las cerezas” que narra la historia de un
hombre a punto de suicidarse en una búsqueda exterior por medio de otros
personajes para que le presten su ayuda. Reflexión pública sobre aspectos que
ocurren en el inconsciente del ser humano y no son motivo de un pensamiento
diario, pero que Kiarostami los trata con suma delicadeza y obtiene un ritmo
narrativo pausado para la interiorización del espectador.
Entre
otras películas suyas habría que destacar “A través de los olivos”, “El viento
nos llevará” y sus últimas “Five” o “Ten”, así como no olvidar el apoyo
explícito que ha recibido de otro de los grandes cineastas de la historia como
Godard, que junto con Rohmer formaron el principal núcleo de la Novelle Vague
francesa.
David Lynch
Añado
este enlace a un proyecto documental realizado por el genial director
norteamericano, en el que recorre Estados Unidos en busca de
personas anónimas y les realiza una entrevista de corta duración
que va colgando cada tres días en su página web. Un documento
interesante para conocer más en profundidad los sentimientos y las
opiniones de los habitantes a lo largo de un recorrido que ya dura
varios meses y cuenta con más de cien entrevistas.
Si
desde el principio de su carrera cinematográfica Lynch se ha
caracterizado por un estilo propio, huyendo de toda narrativa
convencional y dando más importancia al espacio y al sonido en sus
películas, en esta nueva incursión no defrauda, pues mezcla el
formato documental con planos que rompen todas las reglas de
fotografía pero a su vez son tan necesarios en el universo de Lynch
que sin ellos la obra no estaría completa.
Autor
de 15 películas, entre las que solamente una de ellas “Una
historia verdadera” respeta las normas de la narrativa audiovisual,
varias series para televisión entre la que destaca “Twin Peaks”,
y algunos cortometrajes realizados para la web, se aventura en este
nuevo proyecto a través de internet y nos lleva en una ruta de más
de 30000 kilómetros por la mayoría de los estados de su país.
Emir Kusturica
Adjunto un enlace al myspace del
director sserbio, autor entre otras de películas como “Gato negro,gato blanco”,
“La vida es un milagro” y “Underground” en la que relata los últimos 50 años de
historia de la antigua Yugoslavia a través de tres actos.
Cómo músico destaca con su banda
“The non-smoking orchesta” con la que interpreta melodías con sonidos de los
Balcanes. Espero que os gusten.
Jose
Jose Luis Garci
Uno de los directores españoles
de la última etapa y primer español en ganar un Oscar en Hollywood por la
dirección de una película en la categoría de habla no inglesa (“Volver a
empezar” en el año 82), nos deleitó durante
años con su programa televisivo “Qué grande es el cine”, en el que muchos
amantes del séptimo arte aprendimos gracias a su cinefilia muchísimo más que en cualquier escuela de
cine se hubiera podido aprender. Después de la suspensión del programa en la
televisión pública, y tras haber llenado
la misma con basura audiovisual para entretener a quienes todavía ven este
medio mediocre de entretenimiento, siguió
en la radio de la mano de Luís Herrero las madrugadas de los viernes
para continuar hablando de cine. Os paso el enlace al programa por si a alguien
le apetece escucharle:
Jose.-
Las tres B del cine español
Escueto artículo dedicado a hacer una reseña de las
películas más importantes de tres de los mejores directores de cine que han
existido en España.
Juan Antonio Bardem
Hermano de Pilar Bardem y tío del actor Javier Bardem.
-“Muerte de un ciclista”
-“Calle Mayor”
Luis García-Berlanga
Autor de numerosas cintas que por medio de un humor irónico
y escondido en el argumento sorteaba la censura de la época franquista.
-“Bienvenido Mr. Marshall”
-“Plácido” Nominada al Oscar como película de habla no
inglesa en el año 1961.
-“El verdugo”
-“La escopeta nacional”
-“La vaquilla”
Luis Buñuel
Dirigió la mayor parte de su filmografía en Francia y
México.
-“Un perro andaluz”
-“Las Hurdes, tierra sin pan”
-“Los olvidados”
-“Él”
-“Nazarín”
-“El ángel exterminador”
-“Tristona”
Martin Scorsese
Dedico este artículo a uno de los
grandes directores norteamericanos de la historia del cine, que por fortuna
para los amantes del séptimo arte aún sigue rodando historias para la gran
pantalla. Desde sus comienzos con películas como “Taxi Driver” empieza a
innovar en el plano audiovisual, realizando unos movimientos de cámara que
distorsionan la perspectiva, a la vez que aprovecha el recurso de ralentizar
los planos para ofrecer una mayor tensión al espectador y que influirán a
posteriori en directores como Tarantino o el más reciente Wong Kar Wai.
Su carrera continúa con
excelentes cintas como “Toro Salvaje” donde vuelve a apoyarse en el fotógrafo
Michael Chapman y lleva a Robert De Niro a alzarse con un Oscar de la Academia
por su gran interpretación del personaje
Jake La Motta. El rodaje en blanco y negro de la película le proporciona
un aspecto sucio que se integra a la perfección en el oscuro mundo del boxeo.
Con “Goodfellas”, traducida al
español como”Uno de los nuestros”, se introduce en el género de la mafia
ayudado por el escritor Nicholas Pileggi, con el que volverá a contar en
“Casino” para adaptar su novela, a la vez que
continúa sacando el máximo provecho a un Robert de Niro en toda su plenitud.
Se puede observar la influencia de películas anteriores como “El Padrino” de
Coppola en la narrativa de la historia. Será con este director y Woody Allen
con quienes se reunirá para dirigir un mediometraje cada uno y agruparlos bajo
la cinta “Historias de Nueva York”.
Para terminar destacaría su
documental “Shine a Light”, una obra que se sale de la línea seguida a lo largo
de su carrera de ficción, y en el que se adentra en una gira de Los Rolling
Stones para crear una producción bastante interesante en el campo
cinematográfico y musical, y su última película “Shutter Island” en la que
vuelve a contar con el genial fotógrafo Robert Richardson que por medio de flash-backs llega a un desenlace
nada previsible.
STANLEY KUBRICK
Si al hablar de Hollywood aparece
en nuestras cabezas la ceremonia de los Oscars de la Academia, cuando lo
hacemos de Nueva York surgen en nuestra memoria los nombres de algunos de los
mejores directores de cine de todos los tiempos, y entre estos últimos tiene un
espacio Kubrick, un fotógrafo asiduo en sus primeros tiempos al MOMA de su
ciudad.
Habiendo recogido una gran influencia de
directores como Max Ophüls y Eisenstein comienza su primera etapa
cinematográfica con el título “Senderos de Gloria”, después de haber realizado
previamente un par de cintas sin pena ni gloria. Será a partir de los años 60
cuando adapta la novela de Vladimir Nabokov “Lolita”, interpretada por una gran
Sue Lyon en el papel principal, y comienza su ascenso como director. Después
vendrá otra cinta apenas conocida ni alabada por la crítica pero con un mensaje
claro en plena Guerra Fría: “¿Teléfono Rojo? Volamos hacía Moscú”.
Es en el año 68 cuando finaliza
el rodaje de una de sus obras cumbres: “2001: Una odisea en el espacio”, una
película de ciencia ficción en la que plantea una narración totalmente
innovadora al no seguir un argumento lineal y que la convierte en la cinta más
vanguardista rodada hasta ese momento. Seguirá con títulos como “La naranja
mecánica” y “Barry Lyndon”, rodando los interiores de la última con las luces
de velas únicamente, algo que no se había hecho hasta el momento y no se ha
vuelto a repetir. Posteriormente adapta la novela de Stephen King “El
resplandor” y hace uso de la Steadycam, otra innovación de la época en la que
Kubrick es de los primeros en probar para sus películas.
Al final de su carrera culmina
con la mejor obra cinematográfica de su filmografía, y en mi opinión una de las
mejores cintas bélicas de todos los tiempos: “La chaqueta metálica”, en la que
combina unas excelentes interpretaciones, una inmejorable fotografía y
dirección artística, que junto a la música de Los Rolling Stones y Nancy
Sinatra hacen de esta obra una durísima historia ambientada en la Guerra del
Vietnam.
Para finalizar, y obviando
claramente “Eyes Wide Shut”, hay que señalar que este gran maestro del séptimo
arte nunca ha sido premiado como director con un Oscar de la Academia de
Hollywood, y únicamente su película “2001: Una odisea en el espacio” consiguió
la estatuilla por los mejores efectos especiales en el año 1968.
Jose.-
Hermanos Marx
Si hay alguna
familia de cómicos famosa en el mundo entero por sus películas es la de estos
hermanos originarios de Nueva York, que empezaron sus interpretaciones en
teatros ambulantes recorriendo los Estados Unidos y acabaron recibiendo un Oscar
de la Academia de Hollywood por toda su trayectoria en el año 1974, tres años
antes de morir quien fuera su máximo icono; Groucho Marx.
Desde sus
orígenes y la integración del grupo por parte de los cinco hermanos: Groucho,
Chico, Harpo, Gummo y Zeppo, el mismo fue reduciéndose hasta quedar únicamente
los tres primeros. Gummo no aparece en ninguna de las películas y Zeppo
solamente en las cinco primeras, por lo que la mayoría de su filmografía está
representada por los tres hermanos mayores, y comienza con “Los cuatro cocos”,
primera película llevada al cine en el año 1929. Posteriormente vendrían 14
títulos más, entre los que cabe destacar “Sopa de Ganso”, considerada la quinta
mejor comedia de la historia del cine por el American Film Institute, “El hotel
de los líos” que en mi opinión es la mejor de todas las realizadas por ellos, y
en la que aparece la célebre frase “Hail and Farewell” que al doblarla al
español fue traducida como “salve y que usted lo pase bien”, “Una noche en la
ópera” donde tiene lugar la famosa secuencia del camarote, y “Amor en conserva”
en la que podemos disfrutar de una de las primeras apariciones de Marilyn
Monroe en la pantalla.
Continuando
con el humor de los grandes pioneros en el séptimo arte como fueron los
comienzos de Chaplin, toda la obra de Buster Keaton o Harold Lloyd, los
Hermanos Marx siguieron a lo largo de su carrera una mezcla de gags, con
situaciones de interpretación basadas en el cine mudo, y unos guiones
elaborados que daría como resultado un cine cómico con un estilo personal. Así
mismo, Groucho Marx combinó la literatura con el cine y nos dejó libros entre
los que destacan “Camas”, “Memorias de un amante sarnoso”, y “Groucho y Chico abogados” en el que se
plasman los guiones que escribieron para la emisora de radio CBS estadounidense
durante el tiempo que tuvieron un programa semanal.
En definitiva,
un mundo de cómicos que no hay que perderse y, a ser posible, rescatar más a
menudo cualquiera de sus películas para seguir aprendiendo de la particular filosofía
de vida de unos genios del humor. "Jamás aceptaría pertenecer a un club
que admitiera como miembro a alguien como yo." Groucho Marx.
Jose.-
Raoul Walsh Nueva York 1887-California 1980
Dedico este
artículo a uno de los directores de cine más prolíficos y legendarios que han
existido durante el siglo XX y que casi todo el mundo, aún desconociendo la
autoría de la obra, ha visionado alguna de sus películas en algún momento.
Nacido en
Nueva York, hijo de un irlandés que llegó a los Estados Unidos huyendo de la
represión inglesa, comenzó en sus inicios trabajando como actor de teatro en su
ciudad natal, para posteriormente iniciarse en la dirección cinematográfica
como ayudante de Griffith, uno de los más grandes directores de todos los
tiempos. Continuó sus trabajos en la etapa muda realizando producciones para
William Fox y llegó a la cifra de 29 películas, antes de comenzar a realizar
sus cintas de cine negro para la Warner en los años 40. Está catalogado como
uno de los cinco grandes tuertos de Hollywood junto a John Ford, Nicholas Ray,
Fritz Lang y André de Toth.
Entre la
extensa producción de películas que realizó quiero recomendar el western
“Tambores lejanos”, la cinta bélica “Los desnudos y los muertos”, las dos de
aventuras “El ladrón de Bagdag” y “Murieron con las botas puestas”, y otras
cuatro producciones de cine negro como fueron “La pasión ciega”, “El último
refugio”, “Al rojo vivo” y “Los violentos años 20”.
Jose.-
QUENTIN TARANTINO
Dentro del
universo cinematográfico existente hay un mundo particular, entre los que
componen la totalidad del séptimo arte, que corresponde a las obras creadas por
este director estadounidense a lo largo de su carrera. No hay duda de la
autoría de cualquiera de sus películas cuando se visionan las mismas, ya que el
ritmo narrativo, la imagen y la música tienen el sello personal de este
cineasta originario de Tennessee, estado en el que nació y creció
artísticamente bajo las influencias de Scorsese, Sergio Leone y la Nouvelle
Vague francesa.
Aún siendo
poco numerosa su filmografía, pero a la vez impactante en un público extenso
identificado con el cineasta, logra un Oscar al mejor guión original por su
cinta Pulp Fiction, en la que rescata a un John Travolta para la ocasión y le
acompaña con Samuel L. Jackson, Bruce Willis y Uma Thurman para crear unos
personajes muy bien desarrollados que mantienen un ritmo constante durante la
larga extensión de la película. Dispone de una gran banda sonora interpretada
por músicos como Al Green, Kool and the Gang, Dusty Springfield y Chuck Berry,
en definitiva, su obra cumbre hasta el momento y difícilmente superable a
posteriori.
Hay que
recordar que su carrera comienza con Reservoir Dogs, un gran thriller del año
92, y continúa con Jackie Brown, después de haber realizado Pulp Fiction,
adaptación de la novela de Elmore Leonard, que pasó sin apenas impacto por las
salas en las que se proyectó. Entre 2003 y 2004 estrena las dos partes de Kill
Bill, para las que vuelve a contar con Uma Thurman en el papel protagonista, y
firma otra de sus grandes obras con una historia que pretende continuar en un
futuro. Posteriormente viene Death Proof y Malditos Bastardos, su última
producción por la que Christoph Waltz logra un Oscar al mejor actor de reparto.
Mención aparte merece Brad Pitt, dando vida al personaje del teniente Aldo
Reine, que si bien ya se puede hablar de un actor consagrado de las últimas
generaciones de Hollywood, sigue con su trayectoria ascendente que comenzara a
finales de los noventa y particularmente con su aparición en la cinta el club
de la lucha de Fincher.
Clint Eastwood
Nacido en 1930
en San Francisco (Estados Unidos), camino de cumplir los 81 años de edad, acaba
de estrenar su última producción como director “Más allá de la vida” y
seguramente trabaja ya en su nuevo proyecto para deleite de los amantes de
cine.
Dejando su faceta como intérprete, que culminó
con la excelente “Gran Torino”, ha desarrollado desde sus comienzos casi todas
las áreas relacionadas con la cinematografía.
En sus primeros años en California era un gran aficionado al Jazz y al
Blues, lo que le sirvió, posteriormente, para convertirse en un gran pianista y
elaborar las bandas sonoras de películas como Mystic River, Million Dollar Baby
o El Intercambio. Sus inicios como actor
se remontan a la saga de Spaguetti Westerns, El bueno, el feo y el malo, Por un
puñado de dólares y La muerte tenía un precio,
dirigidos todos ellos por Sergio Leone en los años 60. En esta época,
concretamente en el año 1968, funda la que será hasta nuestros días su
productora: Malpaso, convirtiéndose en productor de sus cintas y añadiendo una
nueva tarea a su prolífica carrera. En la siguiente década interpretará al
inspector Harry Calahan para la serie de películas, que se prolongarán hasta
mediados de los años 80, de un policía con dudosos métodos de investigación y
siempre al borde de la ley. En la década de los 90 vendrá a dirigir la que para
muchos cinéfilos es la mejor de sus producciones: Sin Perdón. En esta ocasión
se deja acompañar de Morgan Freeman y Gene Hackman, otros dos grandes actores
norteamericanos que logran una interpretación comparable a los clásicos del
Western como John Wayne o James Stewart, y nos hacen recordar títulos de este
género de la época dorada de Hollywood. Entrando en la primera década del siglo
XXI realizará las mencionadas anteriormente Mystic River, Million Dollar Baby y
El Intercambio, y las cintas paralelas ambientadas
en la Segunda Guerra Mundial: Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo
Jima.
Ha habido
numerosos casos de injusticias cometidas por la Academia de Hollywood a la hora
de otorgar los premios Oscar, quedando en muchas ocasiones directores y actores
reconocidos mundialmente sin la preciada estatuilla, y no siempre ha ido a
parar a quien por su excelente trabajo o extensa carrera ha sido merecedor de
ello. En este caso, sí podemos decir que se ha hecho justicia con este gran
artista del séptimo arte y ha sido justo destinatario de cinco premios Oscar,
en diversas categorías, por Million Dollar Baby y Sin Perdón, dos de sus
películas más representativas a lo largo de tu trayectoria. Esperemos que siga
recibiendo muchísimos más premios y, por tanto, realizando más películas que
añadir a su extensa filmografía.
FRITZ LANG 1890-1976
Aunque para
muchos resulte desconocido el nombre de este director vienés, seguramente,
cuando lea las referencias a su filmografía le vendrán los recuerdos de
secuencias, y en general películas que con toda probabilidad haya visto alguna
vez en su vida.
Siendo cierto
que a lo largo de su carrera cinematográfica ha sido encuadrado en numerosos
estilos, y por consiguiente ha supuesto un referente en varios géneros del
cine, no podemos negar que en toda su obra existe un toque personal y propio,
independientemente de la temática escogida para llevar a la pantalla.
Viajero
impenitente desde su adolescencia, en algunas ocasiones por placer y en otras
por obligación, recorrió Europa, Asia y África entre 1909 y 1912 para regresar
a su país natal y continuar sus estudios en las escuelas de arte por las que
pasó, antes de emigrar a Francia por el estallido de la Primera Guerra Mundial.
Posteriormente, y siempre por oposición a los regímenes totalitarios, abandonó
Alemania por la llegada de Hitler al poder y recaló en los Estados Unidos para
fortuna de este país. En el futuro se vería obligado a exiliarse por el
macarthysmo y su “caza de brujas”, época bastante bien representada en la
novela “Las brujas de Salem” del dramaturgo Arthur Miller.
Dentro de la
extensa filmografía desarrollada durante su vida, se pueden destacar películas
como: “Los sobornados”; la saga del “Doctor Mabuse”, inspirada en los relatos
de Norbert Jacques; “Los Nibelungos”; “Metrópolis”, una de las dos únicas
cintas consideradas Memoria del Mundo por la UNESCO; “Western Union”; “La mujer
del cuadro” y “Perversidad”, ejemplos de cine negro de calidad; “Deseos
humanos”, inspirada en una novela de Zola; y “Mientras Nueva York duerme”.
Referencias obligadas para cualquier amante del cine y tarjeta de presentación
de uno de los grandes directores que han existido, y del que muchos, a
posteriori, han aprendido.
Jose.-
CARL THEODOR DREYER 1889-1964
Carl Theodor
Dreyer (1889-1964), uno de los grandes maestros del séptimo arte, con catorce
largometrajes en su filmografía, desarrolla su labor cinematográfica a la vez
que Eisenstein revoluciona la teoría del montaje en la URSS y Buster Keaton,
junto con Chaplin, comienzan a sentar las bases del cine cómico al otro lado
del Atlántico.
Este director
danés, difícilmente clasificable dentro de un género cinematográfico, convive
con el ritmo de las películas de Víctor
Sjöstrom y las luces expresionistas de fotógrafos como Karl Freund, para lograr
un estilo propio, algo que él definió como “el sello de la personalidad sobre
la obra”, una obra que a pesar de su escueta cantidad aún en el siglo XXI
continúa gozando de un perfecto estado de salud sin haberse deteriorado lo más
mínimo. Sirvan como ejemplo las siguientes citas del maestro danés:
-“Con un buen
reparto una película está ya salvada en un cincuenta por ciento”.
-“Denle a un
buen fotógrafo un aparato de 8 coronas y hará excelentes fotografías. Denle a
su vez una Leica o una Zeiss-Ikon a un mal fotógrafo y sus fotos serán malas”.
-¿Qué es para
usted el cine?
-“Mi única
gran pasión”
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