“El nacimiento de una nación” –Griffith- 1914

Dentro de dos años se cumplirá el centenario de esta película que marcó el comienzo del cine tal y como lo conocemos hoy en día. Hasta ese momento la imagen se había regido por la anarquía, lo que significaba que no había habido ninguna regla a la hora de rodar el material y proyectarlo en la pantalla. Es a partir de esta cinta cuando su director sintetiza las técnicas que había empleado el cine hasta ese momento y crea las bases de la narrativa audiovisual que se siguen utilizando hasta el presente.

Considerado “El padre del cine moderno”, y creador, entre otros recursos narrativos, del primer plano en la pantalla, se rodeaba de actores y actrices del cine mudo como Lilian Gish y Mae Marsh, que posteriormente seguirían trabajando a sus órdenes en las producciones siguientes, entre las que destacaría “Intolerancia” por alcanzar cifras desorbitadas en todos los campos de referencia cinematográficos.

Durante las tres horas de metraje de la película asistimos como espectadores al nacimiento de los Estados Unidos de América desde la Guerra de Secesión, siendo testigos del asesinato de Lincoln y de la batalla de Pittsburg, y todo ello en medio de una nostalgia por el sur  y los valores que llevaba aparejados, entre otros una exaltación de la familia como institución fundamental de la sociedad. Hay que añadir el papel relevante que el autor le otorga al Ku Klux Klan en la formación del país y su posterior repercusión durante las proyecciones en las salas de cine, en las que se organizaban protestas masivas por la emisión de la cinta.

Posteriormente volvería a haber referencias al Sur de los Estados Unidos como tierra añorada y en cierto modo perdida, en películas protagonizadas por Bette Davis “Jezabel” o Vivien Leigh “Lo que el viento se llevó”, pero no sería hasta la adaptación de las obras de William Faulkner o Tennesse Williams cuando se presentará al espectador la visión de un Sur caduco y viciado.

Añado un enlace a la película para que la podáis ver, el que aún no la haya visto, ya que es gratuita y está considerada de dominio público. Espero que os guste.

http://www.archive.org/details/dw_griffith_birth_of_a_nation

Jose.-

El Golpe - George Roy Hill-

Si lo que quieres ser es un timador del montón, “El Golpe” no es tu película, pero si lo que deseas de verdad es entrar en la historia siendo uno de los mayores timadores habidos y por haber, ésta cinta es de obligado visionado desde su principio hasta el final. También serviría para aquellos que quieran ser actores, y no precisamente de los del montón, aunque esto último, lamentablemente, es lo que prolifera por el universo cinematográfico y más en concreto en nuestro país.

Dirigida por George Roy Hill, que ya había reunido anteriormente a Paul Newman y Robert Redford en “Dos hombres y un destino”, refleja a la perfección el enjambre de timadores y todo lo que rodeaba a los mismos en el Chicago de los años 30, desde la corrupta policía hasta el último negro de los suburbios de la época, pasando por el juego y el asesinato. ¿El alcohol? Para ello se recomienda revisar en las escuelas de cine, al menos yo creo que debería ser así, la presentación al espectador del personaje de Paul Newman mientras yace tumbado en una bañera y la ducha actúa como remedio contra ese elemento provocador de resacas. Apoyado por Robert Redford, que ha ido en su busca para pedirle ayuda, y con cuatro contraplanos, el director realiza una secuencia digna de visionar mil veces. ¿La presentación de Robert Redford? Ver el primer timo de la película otras mil.

Quizás sea su banda sonora una de las más conocidas y apreciadas por los cinéfilos que habitan sobre la tierra; ritmo de ragtime de finales del siglo XIX que posteriormente contribuirá al desarrollo del jazz en el XX. Obra de Marvin Hamlisch, que en ese año recibiría uno de los 7 Oscars con los que fue galardonada esta cinta, imponiéndose a John Williams, uno de los más grandes compositores de música para cine en la historia del séptimo arte.

Para finalizar habría que añadir el formato de narrativa audiovisual que presenta el director a lo largo del metraje, un diseño bastante peculiar, ameno y curioso que hacen de esta película una de las mayores obras cinematográficas de todos los tiempos.

Grace kelly (1929-1982)

Este año se han cumplido los treinta años de la muerte de esta gran actriz estadounidense, ganadora de un Oscar de la Academia por “la angustia de vivir”,  y protagonista de películas como “Atrapa a un ladrón” y “La ventana indiscreta” entre otras. A continuación añado el enlace a una página web completa sobre ella: http://www.gracekellyonline.com/

To Rome with love

Nueva película del genial Woody Allen:

http://sonyclassics.com/toromewithlove/

Lista personal con las veinte mejores películas de la historia del cine

1. El apartamento
2. La gran ilusión
3. El Padrino I
4. El Padrino II
5. Centauros del desierto
6. Río Bravo
7. El acorazado Potemkin
8. Candilejas
9. Metrópolis
10. Con la muerte en los talones
11. El verdugo
12. La dolce vita
13. Desayuno con diamantes
14. Manhattan
15. Al final de la escapada
16. Ran
17. Ciudadano Kane
18. El mago de Oz
19. La chaqueta metálica
20. Eva al desnudo

“Blackadder” “La víbora negra” Serie BBC

Seguramente recordamos a Rowan Atkinson encarnando a Mr. Bean y se nos pasa por la cabeza ese tipo inglés excéntrico que nos hacía desternillar de la risa sin decir una palabra al estilo de los cómicos del cine mudo. Este actor había protagonizado en los años 80 una serie dividida en cuatro temporadas de seis capítulos cada una en la que repasaba la historia de Inglaterra en períodos diferentes del tiempo.

La primera se situaba en la Edad Media y el protagonista daba comienzo a la dinastía Black Adder que a través del paso del tiempo llegaría a la cuarta temporada ambientada en la Primera Guerra Mundial. Las otras dos temporadas intermedias están situadas en la época Isabelina y en el período de Napoleón. Cada Black Adder es descendiente del anterior y en todos ellos vemos con humor británico como con la torpeza que caracteriza al personaje, éste sigue ocupando puestos de responsabilidad en la sociedad inglesa.

Serie de 24 capítulos de media hora cada uno que la sitúan entre los primeros puestos de las mejores comedias de la BBC de todos los tiempos. A continuación dejo el enlace a la web oficial por si a alguien le interesa y le apetece pasar un buen rato riéndose en el sofá.

http://www.bbc.co.uk/comedy/blackadder/

Jose.-

“A hole in the head” (“Millonario de ilusiones”)- Frank Capra

Comienza la película con una canción interpretada por Frank Sinatra titulada “High Hopes”, ganadora de un Oscar de la Academia de Hollywood, que nos introduce en las primeras secuencias de una de las obras más ágiles del director de origen italiano, cuya obra más conocida es “Que bello es vivir” gracias a su reposición todas las navidades en la pantalla de televisión. En los primeros minutos de la cinta el personaje principal interpretado por Frank Sinatra queda descrito de un modo inmejorable gracias a una ambientación insuperable y un guión bastante bueno, pero que a medida que avanza la película y sobre todo en la parte final empieza a ser más flojo y ello hace que el final no sea uno de los mejores resueltos en la filmografía del director.

La interpretación de Sinatra como un estadounidense afincado en Florida junto a su hijo, que por cierto el papel lo interpreta Eddie Hodges con una óptima actuación, hace más grande a uno de los mejores intérpretes y una de las mejores voces que ha dado la canción Americana en el Siglo XX, y que todo el público recuerda cantando el tema “New York, New York” en homenaje a la que está considera la capital artística del mundo.

La película se adaptó de una obra de teatro de Broadway, por lo que a lo largo de las dos horas de duración apenas hay secuencias en exteriores, lo que provoca mi admiración hacia uno de los mejores directores de cine de todos los tiempos, ya que en ningún momento se siente la necesidad de sacar a los personajes del interior, y cuando ello se hace es en ocasiones contadas y con una habilidad asombrosa para hacer avanzar la historia.  Quizás se pierde un poco más de lo debido en algunas lecciones de moralidad al final de la cinta, pero hay que recordar que la película se enmarca en el contexto de una sociedad estadounidense en los años 60, y no por ello hace que la calidad de la presente obra sea una de las mejores del director de otros títulos como: “Arsénico por compasión” y “Juan Nadie”.

Carl Theodor Dreyer

Carl Theodor Dreyer (1889-1964), uno de los grandes maestros del séptimo arte, con catorce largometrajes en su filmografía, desarrolla su labor cinematográfica a la vez que Eisenstein revoluciona la teoría del montaje en la URSS y Buster Keaton, junto con Chaplin, comienzan a sentar las bases del cine cómico al otro lado del Atlántico.

Este director danés, difícilmente clasificable dentro de un género cinematográfico, convive con el ritmo de las películas de  Víctor Sjöstrom y las luces expresionistas de fotógrafos como Karl Freund, para lograr un estilo propio, algo que él definió como “el sello de la personalidad sobre la obra”, una obra que a pesar de su escueta cantidad aún en el siglo XXI continúa gozando de un perfecto estado de salud sin haberse deteriorado lo más mínimo. Sirvan como ejemplo las siguientes citas del maestro danés:

-“Con un buen reparto una película está ya salvada en un cincuenta por ciento”.

-“Denle a un buen fotógrafo un aparato de 8 coronas y hará excelentes fotografías. Denle a su vez una Leica o una Zeiss-Ikon a un mal fotógrafo y sus fotos serán malas”.

-¿Qué es para usted el cine?

-“Mi única gran pasión”

Audrey Hepburn

Dentro de las cintas realizadas por la productora británica Ealing, entre las que se encuentran clásicos como: "El quinteto de la muerte" o "El hombre del traje de blanco", se añade "Oro en barras" en la que tiene su primera aparcición cinematográfica Audrey Hepburn, si bien es cierto que tiene un pequeño papel secundario de apenas un minuto, éste lo realiza al lado de un gran acto británico como Alec Guiness. A continuación dejo el enlace a la secuencia donde se puede disfrutar de una de las imágenes menos conocidas de esta actriz belga:

http://www.youtube.com/watch?v=9xgum3kiBOY

Manhattan de Woody Allen

He elegido esta película del maestro Woody Allen por ser un clásico y  reunir todas las cualidades que han rodeado hasta el día de hoy al universo de este gran director de cine estadounidense. En esta cinta está presente el humor sarcástico sobre las relaciones de pareja, el nihilismo permanente que ha acompañado siempre a sus obras de arte, la intrascendencia material y decadencia de la cultura norteamericana popular, así como la mirada a Nueva York desde la perspectiva de un neoyorkino.

El complemento perfecto de esta película lo añade Gordon Willis, uno de los mejores directores de fotografía que ha habido hasta el momento, y del que ya hablé en el artículo de la película “El Padrino”. Su frase “trabajar con Woody Allen es todo un placer” define a la perfección la gran sintonía entre ambos y la total libertad que tiene para diseñar y estructurar las imágenes sin la intromisión del director. En esta película, rodada en cinemascope y blanco y negro, podemos disfrutar de unos planos interiores con un fuerte contraste y un grano gordo que a ningún  otro director de fotografía se le hubiese permitido hacer.

Cuenta además con la música de Gershwin para toda la banda sonora de la película, siendo  la misma fruto, según Woody Allen, de haber estado escuchando todo un año entero a este músico debajo de la ducha diaria.

El rodaje se realizó en localizaciones reales de la ciudad de Nueva York, por los mismos lugares que el director frecuenta en su vida diaria, y en la que se quedó tocando el clarinete en un bar de jazz las noches que tendría que haber ido a recoger un Oscar a Hollywood cuando fue el ganador. En sus propias palabras “se olvidó de tal acontecimiento” demuestra el rechazo rotundo al mundo del glamour que rodea al cine en la otra costa de los Estados Unidos.

Como anécdota hay que destacar que quedó tan descontento de esta película cuando la terminó que ofreció a la United rodar otra película gratis a cambio de que tiraran “Manhattan” a la basura, y para deleite de todos sus seguidores la productora no le hizo caso y siguió adelante con la distribución de la cinta.

Desde hace mucho tiempo millones de personas esperamos la película anual que hasta el momento y desde hace muchos años  realiza este gran director neoyorkino, que como ciudad de rodaje eligió Barcelona en España para una de sus últimas producciones.

Jose.-

Truman Capote

“Soy alcohólico. Soy drogadicto. Soy homosexual. Soy un genio” Con esta frase se definía en su novela “Música para camaleones” este escritor de Nueva Orleans que, junto a Tennessee Williams y otros artistas, formaban lo que se vino a llamar la Gay Society en Norteamérica, al tiempo que coincidía con los Beats,  otra generación literaria surgida en la Costa Oeste de los Estados Unidos cuyo máximo exponente fue Jack kerouac y su novela “En el camino”.

Mientras vivía una vida frenética regada por el alcohol y aderezada con las drogas que empezaban a invadir al mundo occidental de la época, dejaba para la posteridad obras literarias como “Desayuno con Diamantes”, llevada a la gran pantalla por Blake Edwards, y “A sangre fría”, dirigida por Richard Brooks, ambas grandes cintas que aún gozan de una gran calidad y reconocimiento por los amantes del séptimo arte de todo el mundo.

A este alcohólico, drogadicto, homosexual y genio se lo llevaron las drogas al otro lado de la cinta, abandonando esta película de la vida, por medio de un guión en el que una sobredosis ponía punto y final en 1984 a 59 años de metraje. Allá donde se encuentre seguirá con una copa en una mano y una pluma en la otra, bajo la luz de una lámpara y envuelto en varias capas de humo que le proporcionarán las ideas necesarias para seguir escribiendo.

A continuación os dejo el enlace a una web en la que podréis seguir descubriendo a Truman Capote: http://www.capotebio.com/

Jose.-

Sherlock Holmes

Con motivo de la aparición de la serie Sherlock, escribo este artículo dedicado al personaje de ficción creado por el escritor escocés Arthur Conan Doyle a finales del siglo XIX y que con el paso del tiempo se ha convertido en el detective más famoso de la historia de la literatura y del cine. “A Study in Scarlet” (“Estudio en Escarlata”) fue su primera novela escrita en 1886 a la que continuarían 56 historias cortas y otras 3 novelas para completar la bibliografía de este personaje inspirado en el Dr. Joseph Bell, un científico de la universidad de Edimburgo con el que Conan Doyle trabajó y aprendió métodos de investigación forense que le servirían posteriormente para desarrollar las soluciones de sus casos.

La primera película sobre el personaje apareció en 1900, pero no sería hasta la década de los 40 cuando Sherlock Holmes ganase la popularidad en la pantalla grande que tiene hoy en día.  Gracias a los actores Basil Rathbone en el papel de detective y Nigel Bruce en el de su ayudante el Dr. Watson, y a la serie de 14 películas interpretadas por ambos entre 1939 y 1946, el personaje de Conan Doyle fue llevado a la pantalla en  un blanco y negro que le inspiraba el tenebrismo londinense de la época victoriana.

Entre los años 1984 y 1994 la BBC rodó y emitió una serie de 41 episodios protagonizada por Jeremy Brett y David Burke, que a día de hoy se puede considerar la más completa filmada hasta el momento sobre el detective del 221 B de Baker Street.

Actualmente han aparecido dos películas protagonizadas por Robert Downey y Jude Law que nos presentan a un Sherlock Holmes muchísimo más físico que los anteriores, con unos efectos especiales que dañan la ambientación de la época en que se desarrollan las aventuras de nuestro personaje, y que han sido dirigidas por Guy Ritchie, el mismo que dirigió en su momento y con bastante  acierto a Brad Pitt en “Snatch, cerdos y diamantes”.

A continuación os paso los enlaces al museo londinense de Sherlock Holmes y a una editorial que ha publicado un libro bastante interesante recogiendo la filmografía existente y su análisis sobre el personaje de Conan Doyle. Espero que os guste.

Enlace a museo de Londres: http://www.sherlock-holmes.co.uk/

Enlace a editorial de libros de cine con el específico de Sherlock Holmes: http://www.arkadinediciones.es/detalle.asp?id=73&bus=TODO%20SHERLOCK%20HOLMES%20EN%20CINE%20Y%20TELEVISI%C3%93N

Jose.-

Los Soprano

Continúo este apartado dedicado a las series de televisión, recomendando a la más laureada de la historia y que ha acumulado más de 20 premios Emmy y 5 globos de oro entre sus más de 200 galardones obtenidos. Esta serie perteneciente a la cadena norteamericana HBO se inspira en películas ambientadas en la mafia como “El padrino” de Coppola o “Uno de los nuestros” de Scorsese, y si en la primera Marlon Brando se convirtió en un personaje al que cualquier mafioso hubiera querido parecerse, en esta serie James Gandolfini representa al jefe de la familia Soprano en el papel de Tony Soprano interpretando a la perfecciòn a un mafioso que dirige su propia familia con sus negocios alternativos.

A lo largo de los 86 episodios el creador de la serie David Chase nos conduce por la historia de una familia mafiosa en Nueva Yersey dejando patente la fidelidad que se debe a la misma desde el mismo momento en que se forma parte de ella. El final de la serie es una secuencia bastante abierta donde ha habido diferentes interpretaciones y todos los que hemos visto su historia deseamos que en algún momento se produzcan más episodios y la historia de Los Soprano continúe desarrollándose.

Añado el enlace a la web no oficial, creada por fans de la serie, que contiene toda la información de Los Soprano y donde se puede comprar desde una camiseta del Bada Bing hasta obtener información sobre el recorrido turístico que se realiza por las localizaciones de rodaje en Nueva Yersey, por si alguno va a Nueva York y le apetece disfrutarlo.

www.lossoprano.net

Serie de tv Berlin AlexanderPlatz-Fassbinder-1980

Analizar lo ocurrido en la Europa del siglo XX, política y militarmente con sus hechos y consecuencias, sería una labor bastante ardua para cualquier historiador actual, que se encontraría con una numerosa bibliografía para investigar y tardaría bastante tiempo en realizar una síntesis fiable. Sin embargo, para comprender la evolución de la Europa Occidental y su conexión con el resto del mundo, principalmente hacia el este y el oeste de sus territorios, bastaría con visionar los 14 episodios de esta magnífica serie de televisión rodada en los años 80 por el director alemán Fassbinder.

Basada en la novela del escritor alemán Alfred Döblin nos cuenta la historia de Franz Biberkopf, un antihéroe que encarna a la perfección el actor Günter Lamprecht, y su vida  por el Berlín de los años 20. A su salida de la cárcel empieza un periplo por una ciudad que no reconoce, una ciudad en la que el sobrevivir se ha puesto cada vez más difícil, una ciudad en la que cualquier empleo puede significar la línea entre la miseria y la supervivencia, y todo ello en medio de personajes bastante singulares que llevarán a Franz, unas veces hacía el vacío y otras hacía el infinito, allí donde los dos conceptos anteriores se juntan. Repleta de monólogos interiores que provocan la reflexión del espectador, algo que últimamente resulta molesto para la suma de gobierno y poder, traslada hacia el exterior toda la  fuerza narrativa, que apoyada por la música y la fotografía sucia de grano gordo, no tiene similitud con ninguna producción posterior realizada.

Situándonos en el contexto socio-político de la época vemos que Alemania acababa de firmar el Tratado de Versalles en el 1919 y le había sido impuesto por los aliados un catálogo de sanciones bastante severo y difícil de cumplir. Esto provocó el auge del partido nazi y su posterior victoria para hacerse con el poder. Al otro lado del telón de acero se desarrollaba un régimen comunista no menos sanguinario y que competía por superar en muertos al partido de Adolf Hitler. Esta situación se refleja de una manera pura y bastante intencionada en la serie, sin caer en la discusión que corresponde a los historiadores, y refuerza el argumento que se crea alrededor del personaje principal.

Remasterizada en el año 2007 y presentada en un cofre negro, del mismo color que Franz veía su vida en el período de entreguerras, incluye un gran making-off en el que se tiene la oportunidad de ver el rodaje que se llevó a cabo en los años previos a la caída del muro de Berlín, años en los que la esperanza se convirtió en realidad, algo que no pudo lograr el personaje de Fassbinder.

Jose.-

El apartamento-Billy Wilder-

“Me gustaría creer en Dios para agradecérselo, pero solamente creo en Billy Wilder. Gracias Mr. Wilder”. Esta frase pronunciada por Fernando Trueba después de recibir  un Óscar por su película “Belle Epoque” resume perfectamente la influencia del director de “El apartamento” en la historia del cine.

El próximo 27 de marzo se cumple el décimo aniversario de la muerte de este director nacido en Polonia, que emigró en 1933 a Hollywood para situarse por mérito propio en el espacio de los grandes maestros del séptimo arte. Cuando se le preguntó en una ocasión  cuál era su mejor película, sin dudarlo respondió: “El apartamento.¡Todo encaja!”. No puedo más que estar de acuerdo con esta afirmación, ya que desde la presentación y evolución de los personajes, pasando por la fotografía y dirección artística, hasta la culminación de un excelente guión realizado por Billy Wilder junto a su inseparable I.A.L. Diamond, encontramos una obra maestra de la historia de la cinematografía.

Es la época de los rápidos ascensos y descensos empresariales en el mundo de los negocios estadounidenses, que se manifiesta con maestría en el ascensor repleto de oficinistas del edificio  donde trabajan los personajes de la cinta. En los principales, Jack Lemon y Shirley MacLaine, se refleja a lo largo de la película lo trágico que existe en la comedia y la comicidad de la tragedia, una mezcla de términos que se desarrolla, principalmente, en el lado humano y la soledad del personaje que interpreta Jack Lemon, para desembocar en uno de los mejores finales realizados en Hollywood: una partida de cartas que huye de cualquier romanticismo establecido en los manuales de guión.

Esta película le sirvió a Billy Wilder para ganar tres Oscars, uno al mejor guión junto a I.A.L. Diamond, y otros dos por director y mejor película, convirtiéndose así en el primero en recibir los tres galardones en una misma ceremonia. Sin darle más que un valor testimonial a esto último, habría que señalar que fue el justo premio a uno de los mejores directores de la historia del cine.

Instituto Lumiere

Durante estos días se puede disfrutar en la Filmoteca española de un ciclo programado por Thierry Frémaux, Director general de la cinemateca de Lyon fundada en 1982 con el objetivo de preservar el patrimonio de los Hermanos Lumiere, en el que el día 22 nos deleitó con varias películas pioneras de estos cineastas franceses, y los días 28 y 29 con  otros títulos del cine Yakuza. A continuación dejo el enlace a la cinemateca de Lyon en el que se puede rastrear desde los orígenes del cinematógrafo hasta la sección de libros de su biblioteca: 

http://www.institut-lumiere.org/english/frames.html
http://www.institut-lumiere.org/english/frames.html

Fresas salvajes-Ingmar Bergman

Considerado uno de los grandes cineastas del siglo XX, Ingmar Berman adquiere una influencia al principio de su carrera del teatro de Henrik Ibsen y Strindberg para desarrollar posteriormente un estilo de cine propio basado en las reflexiones de sus personajes sobre aspectos cruciales de la vida. Podría añadirse la gran habilidad para captar  los primeros planos de los rostros de sus actores, lo que es en mi opinión una de las huellas particulares del maestro sueco, así como una limpieza de planos durante la narrativa audiovisual con una lentitud característica en toda su obra cinematográfica.

En la película “Fresas salvajes” nos presenta a un viejo doctor, interpretado por el otro gran director de cine sueco Victor Sjöström, que a través de sus reflexiones y sus sueños va haciendo un repaso de toda su vida en sus relaciones personales y familiares. La avaricia, el egoísmo, así como el paso del tiempo y la vejez son conceptos analizados durante el desarrollo de la historia del personaje principal.  Hay que mencionar la aparición de Ingrid Thullin,  que viene a completar el mejor trío de actrices suecas junto a Ingrid Bergman y Greta Garbo, que marcará un estilo en la interpretación mediante la expresividad del rostro y  dejará su sello dentro del cine y el teatro internacional.

La presente película optó a un Oscar por el mejor guión original en el mismo año que el director sueco estrenó “El séptimo sello”, marcando con ello un hito en su filmografía con dos de las mejores obras particulares del cineasta, sin embargo fueron: “El manantial de la doncella”, “Como en un espejo” y “Fanny y Alexander” las que dieron el máximo galardón mundial al maestro Bergman. Para finalizar hay que recordar la gran influencia que ha tenido su cine posteriormente en numerosos directores entre los que destaco a Woody Allen por la coincidencia mutua sobre la exploración del yo interior del ser humano.

Jose

Nuevo museo del cine en España

Los aficionados al séptimo arte estamos de enhorabuena, pues podemos añadir un nuevo museo del cine en España (aunque se anuncia como el primero, lo cierto es que existen otros dos más: uno en Zarautz y otro en Gerona),  en Villarejo de Salvanés (Madrid), con una gran colección de proyectores y varias salas para realizar un recorrido completo desde los inicios del arte cinematográfico hasta nuestros días. Espero que lo disfrutéis: http://www.museodelcine.es/inicio.htm

Orígenes cine cómico

Empiezo este nuevo apartado de cine cómico dedicándoselo a Buster Keaton y Harold Lloyd, dos de los grandes intérpretes surgidos en los inicios  del siglo XX y cuyo humor ha influenciado a directores posteriores de la talla de Blake Edwards y Woody Allen. Sin incluir en el cine cómico a los hermanos Lumiére ni a George Mèliés, quien basándose en los anteriores evolucionó con la técnica cinematográfica hacia un espectáculo ilusionista de imágenes, se podría decir que gracias a ellos fue posible la aparición del cine cómico mudo y el desarrollo posterior, así como la transición hacia el sonoro. Todo ello sin olvidar la película "El regador regado" de los hermanos Lumiére de un minuto de duración y considerada la primera cinta cómica de la historia del cine.
Hablar de Buster Keaton es hacerlo de uno de los cómicos más grandes que ha habido en el séptimo arte y cuyos gags han servido de inspiración a numerosos artistas de todos los tiempos. El actor con semblante serio e inexpresivo que por medio de situaciones absurdas hacía desternillarse de la risa al público de la sala de cine, y que aún continúa haciéndolo con quienes seguimos acudiendo a ciclos que esporádicamente se le dedican en filmotecas de todo el mundo. Sus actuaciones han servido de inspiración para multitud de actores cómicos, que por citar a alguno y ser una serie de humor interesante podríamos hacerlo con Rowan Atkinson y su personaje de Mr. Bean.
Entre las películas que podemos visionar entre la numerosa filmografía que nos dejó voy a destacar "El navegante", "El maquinista de la General", "The Cameraman" y un cortometraje que yo consideraría que está entre los primeros lugares de la historia del cine “El rostro pálido”.
Si Búster Keaton se servía de situaciones absurdas y su inexpresividad para provocar la risa del espectador, Harold Lloyd usaba su físico para salvar barreras y obstáculos que aparecían en medio de la secuencia y de ese modo continuaba la historia cómica prevista. Hay que recordar que llegó a ser el actor mejor pagado en la década de los años 20 en Hollywood. Entre sus numerosas obras podríamos destacar “El hermanito” y”Safety last” (“El hombre mosca”) en la que se le puede contemplar en la famosa secuencia colgado del reloj.
Gracias a intérpretes como los reseñados en este artículo ha sido posible que el apartado  cómico se haya desarrollado a lo largo de la historia del cine y millones de personas en todo el mundo hayamos podido disfrutar y reírnos a carcajadas durante horas en algunas de las salas en las que aún se puede visionar cine de calidad. Incluyo los enlaces a páginas de ambos autores por si a alguien le interesa escuchar grabaciones de la época o en definitiva investigar más sobre dos de los grandes del séptimo arte.
http://www.busterkeaton.com/
http://www.haroldlloyd.com/
Jose.-