jueves, 21 de febrero de 2013

Michael Haneke vs David Lynch




A ambos lados del Atlántico nos encontramos con dos entradas para los 35mm que conectan los universos cinematográficos de dos cineastas, uno estadounidense y otro alemán, surgiendo a partir de cada una de sus producciones un afianzamiento en su característica manera de expresarse a través del celuloide. En ambos casos, sería necesario, únicamente, visionar unas pocas secuencias de alguna de sus películas para identificar al instante la autoría de la obra, aunque en cualquiera de las dos encontraremos un juego con las imágenes, que nos llevará del subconsciente de los personajes a la realidad que se intenta proyectar, siendo en la mayoria de las ocasiones la libre interpretación del hilo argumental de la cinta que estemos dispuestos a hacer como espectadores.
Considerando a ambos directores dentro del cine de autor, si como tal entendemos a quien deja el sello personal en cada uno de sus largometrajes y proyectos, estaríamos ante dos artistas del séptimo arte, que si bien entre ellos no se han influenciado en sus respectivos trabajos, sí han conseguido que los espectadores profundicemos y nos enriquezcamos de sus universos personales cinematográficos.
Jose.-

lunes, 21 de enero de 2013

"La camioneta" Stephen Frears



La Caminoneta- Stephen Frears-1996

Mientras en el cine de Ken Loach encontramos una temática social con problemas de grupo aderezado con una constante lucha de clases, en el de Stephen Frears son las personas individualmente quienes afrontan una delicada situación y se apoyan en conceptos como la fidelidad y la amistad para salir adelante. Mientras en el universo de Loach el pesimismo inunda las historias de desarraigo social, en el de Frears el optimismo y la creencia en la buena voluntad del individuo hace a éstos superar los obstáculos planteados en la cinta, llegando a despreciar todo lo que está atacando a los lazos que unen a las personas, representados en este caso en los dos personajes principales. Mientras Ken Loach no entiende de patrias en sus películas y aborda casos como los de los inmigrantes latinos en Los Ángeles (“Pan y Rosas”) o el paro en Inglaterra (“Mi nombre es Joe” entre otras), Stephen Frears sitúa al espectador ante multitud de banderas irlandesas en medio del mundial de fútbol de 1990.
Ambos directores ingleses representan a la generación de cineastas británicos consagrados en el último tercio del siglo XX que a través de sus películas han transmitido, cada uno a su manera y en su propio estilo,  unas historias capaces de hacer reflexionar al espectador desde su butaca del cine sobre temas de actualidad, en algunos casos hablando de las mafias de personas en la Europa desarrollada (“Negocios ocultos” de Frears) o de las cloacas político-sociales en el conflicto de Irlanda del Norte (“Agenda Oculta” de Loach).
En esta película de Frears la camioneta que rehabilitan para trabajar los dos amigos que se acaban de quedar en paro sirve de vehículo de transmisión en una historia de amistad y fidelidad que les llevará a dar una puntuación a los valores arraigados en sus personas, anteponiéndolos a un medio superfluo de ganarse la vida circunstancialmente y condicionado por un sistema social que les ha llegado impuesto.
Hay que finalizar haciendo mención a “Cheri”, la última cinta del director británico, que adapta la novela de la escritora francesa Colette ambientada en la Belle Epoque, que a pesar del reparto y el contenido de la obra lo único que merece la pena es la fotografía del genial Darius Khondji y la interpretación de Michelle Pfeiffer que no salva en su conjunto la película de Frears.

miércoles, 12 de diciembre de 2012

“El nacimiento de una nación” –Griffith- 1914




Dentro de dos años se cumplirá el centenario de esta película que marcó el comienzo del cine tal y como lo conocemos hoy en día. Hasta ese momento la imagen se había regido por la anarquía, lo que significaba que no había habido ninguna regla a la hora de rodar el material y proyectarlo en la pantalla. Es a partir de esta cinta cuando su director sintetiza las técnicas que había empleado el cine hasta ese momento y crea las bases de la narrativa audiovisual que se siguen utilizando hasta el presente.

Considerado “El padre del cine moderno”, y creador, entre otros recursos narrativos, del primer plano en la pantalla, se rodeaba de actores y actrices del cine mudo como Lilian Gish y Mae Marsh, que posteriormente seguirían trabajando a sus órdenes en las producciones siguientes, entre las que destacaría “Intolerancia” por alcanzar cifras desorbitadas en todos los campos de referencia cinematográficos.

Durante las tres horas de metraje de la película asistimos como espectadores al nacimiento de los Estados Unidos de América desde la Guerra de Secesión, siendo testigos del asesinato de Lincoln y de la batalla de Pittsburg, y todo ello en medio de una nostalgia por el sur  y los valores que llevaba aparejados, entre otros una exaltación de la familia como institución fundamental de la sociedad. Hay que añadir el papel relevante que el autor le otorga al Ku Klux Klan en la formación del país y su posterior repercusión durante las proyecciones en las salas de cine, en las que se organizaban protestas masivas por la emisión de la cinta.

Posteriormente volvería a haber referencias al Sur de los Estados Unidos como tierra añorada y en cierto modo perdida, en películas protagonizadas por Bette Davis “Jezabel” o Vivien Leigh “Lo que el viento se llevó”, pero no sería hasta la adaptación de las obras de William Faulkner o Tennesse Williams cuando se presentará al espectador la visión de un Sur caduco y viciado.

Añado un enlace a la película para que la podáis ver, el que aún no la haya visto, ya que es gratuita y está considerada de dominio público. Espero que os guste.
Jose.-

lunes, 5 de noviembre de 2012

El Golpe - George Roy Hill-



Si lo que quieres ser es un timador del montón, “El Golpe” no es tu película, pero si lo que deseas de verdad es entrar en la historia siendo uno de los mayores timadores habidos y por haber, ésta cinta es de obligado visionado desde su principio hasta el final. También serviría para aquellos que quieran ser actores, y no precisamente de los del montón, aunque esto último, lamentablemente, es lo que prolifera por el universo cinematográfico y más en concreto en nuestro país.
Dirigida por George Roy Hill, que ya había reunido anteriormente a Paul Newman y Robert Redford en “Dos hombres y un destino”, refleja a la perfección el enjambre de timadores y todo lo que rodeaba a los mismos en el Chicago de los años 30, desde la corrupta policía hasta el último negro de los suburbios de la época, pasando por el juego y el asesinato. ¿El alcohol? Para ello se recomienda revisar en las escuelas de cine, al menos yo creo que debería ser así, la presentación al espectador del personaje de Paul Newman mientras yace tumbado en una bañera y la ducha actúa como remedio contra ese elemento provocador de resacas. Apoyado por Robert Redford, que ha ido en su busca para pedirle ayuda, y con cuatro contraplanos, el director realiza una secuencia digna de visionar mil veces. ¿La presentación de Robert Redford? Ver el primer timo de la película otras mil.
Quizás sea su banda sonora una de las más conocidas y apreciadas por los cinéfilos que habitan sobre la tierra; ritmo de ragtime de finales del siglo XIX que posteriormente contribuirá al desarrollo del jazz en el XX. Obra de Marvin Hamlisch, que en ese año recibiría uno de los 7 Oscars con los que fue galardonada esta cinta, imponiéndose a John Williams, uno de los más grandes compositores de música para cine en la historia del séptimo arte.
Para finalizar habría que añadir el formato de narrativa audiovisual que presenta el director a lo largo del metraje, un diseño bastante peculiar, ameno y curioso que hacen de esta película una de las mayores obras cinematográficas de todos los tiempos.

sábado, 20 de octubre de 2012

Grace kelly (1929-1982)



Este año se han cumplido los treinta años de la muerte de esta gran actriz estadounidense, ganadora de un Oscar de la Academia por “la angustia de vivir”,  y protagonista de películas como “Atrapa a un ladrón” y “La ventana indiscreta” entre otras. A continuación añado el enlace a una página web completa sobre ella: http://www.gracekellyonline.com/

lunes, 10 de septiembre de 2012

Lista personal con las veinte mejores películas de la historia del cine





  1. Casablanca
  2. El apartamento
  3. La gran ilusión
  4. El Padrino I
  5. El Padrino II
  6. Centauros del desierto
  7. Río Bravo
  8. El acorazado Potemkin
  9. Candilejas
  10. Metrópolis
  11. Con la muerte en los talones
  12. La dolce vita
  13. Desayuno con diamantes
  14. Manhattan
  15. Al final de la escapada
  16. Ran
  17. Ciudadano Kane
  18. El mago de Oz
  19. La chaqueta metálica
  20. Eva al desnudo